FILMOTECA: HOMENAJE A JOSÉ F. ARANDA
Nos escriben desde la Filmoteca de Zaragoza:
Buenos días.
Mañana miércoles comienza un ciclo dedicado al escritor y crítico cinematográfico José Francisco Aranda, nacido en Zaragoza. El motivo es la publicación del libro José Francisco Aranda. La fabulación de la pantalla (Filmoteca Española), una recopilación de sus críticas cinematográficas en revistas de toda Europa.
Aranda es él autor de además de varios libros entre ellos Luis Buñuel. Biografía crítica, Barcelona, 1969 (que tuvo gran difusión en España y se ha traducido a varios idiomas), cinema de vanguardia en España, Lisboa, 1954. Durante los años 60 Aranda realizó una labor fundamental para dar a conocer el Nuevo Cine Español a la prensa extranjera. Este interés por los jóvenes cineastas españoles lo combinó con sus otras dos pasiones el cine documental y el cine de animación. (Te adjunto un texto). El ciclo comienza con dos colaboraciones de Aranda, como actor en el cortometraje Unos chicos, unas chicas (Nadia Werba, 1966) y el documental de Juan Gabriel Tharrats Cinematógrafo 1900. Homenaje a Segundo de Chomón del año 1980 en el que también colaboró. El resto del ciclo son películas seleccionadas sobre las críticas que Aranda escribió a lo largo de su carrera. El ciclo finalizará el 20 de junio.
Programación 3 - 6 Junio:
Ciclo ARANDA:
3 Miércoles, 19,15 h. y 4 Jueves, 18 h.:
Unos chicos, unas chicas, Nadia Werba, 1966.
Int.: José Francisco Aranda. España. 13 min.
Documental. Tema: juventud española años sesenta. Con la intervención "Los Brincos" y "Los Shakers".
Cinematógrafo 1900 (Homenaje a Segundo de Chomón),
Juan Gabriel Tharrats, 1980.Colabora: José Francisco Aranda. Documental. España. 98 min.
Juan Gabriel Tharrats, estudioso del cine mudo, rueda su opera prima, un film semidocumental centrado en la figura del cineasta Segundo de Chomón, pionero del ilusionismo cinematográfico.
5 Viernes, 22 h. y 6 Sábado, 19,45 h.:
Sabrina, Billy Wilder, 1954.
Int.: Audrey Hepburn, Humphrey Bogart, William Holden.
USA. VOSE. 113 min.
Los "locos millonarios" de Sabrina son tan americanos como los de las películas de 1937, sólo que ahora, en vez de alardear de eso, pretenden disimularlo, porque hoy en día ser americano no es algo ya tan bonito. Consecuentemente, la familia que se nos presenta, tiene un chateau de arquitectura georgiana (¡pero georgiana europea!) y decoración y criados "importados" de Inglaterra, de esos con el mejor Queen's English que existe. Los señores pretenden parecer aristócratas, pero, según se nos dice, sus antepasados fueron piratas, negreros y sucios negociantes; se imbuyen de una dignidad que, sobra decirlo, se echa a perder con el primer contratiempo, que puede ser la dificultad de sacar una aceituna de un frasco. De los hijos, uno se dedica a las altas finanzas de la fabricación de plástico ("gracias a hombres como yo la miseria ha desaparecido de millones de hogares"), y otro al sexo. Cualquiera de ellos es más ordinario que una pieza de barro de la Feira da Luz. Y, finalmente, aparece Sabrina, la hija del criado, que además de ser inglesa, conoce París.
Sabrina es el ideal siempre perseguido y nunca conseguido por dicha familia. Es el charm, pero también la clase, la tradición, la elegancia, la educación. Billy Wilder juega incansablemente con el contrapunto Sabrina, mientras nos muestra a la familia adinerada como variaciones, cada cual más deleitosa. Wilder explora el sonido y el silencio, las canciones (un perverso comentario a la actitud del hijo industrial con Sabrina se hace en la canción de la década de 1920 No, we have no bananas!), la deformación fotográfica, los encadenados en el montaje, los magníficos actores (sobre todo, Humphrey Bogart), el vestuario y, ah, el diálogo ("la democracia no siempre es equitativa -advierte Sabrina a su padre-; nunca he oído decir a nadie a propósito de una chica pobre que se casa con un millonario que ella tuvo un gesto muy democrático"), con el ingenio de un maestro como es Billy Wilder. Podría decirse que la película es demasiado ligera para ser digna de un maestro. No, no lo es, dadas las circunstancias, cuando no se está autorizado a hacer un trabajo más profundo. No hay actitud más heroica ante la dictadura hollywoodiense que la buena disposición de una sonrisa, ni gesto más insultante para sus ojos groseros, que una pose súperelegante.
José Francisco Aranda (Visor febrero 1955)
Ciclo ITALIA (finaliza sábado 6):
3 Miércoles, 18 h. y 4 Jueves, 22,15 h.:
Il passaggio della linea, Pietro Marcell0, 2007.
Documental. Italia. VOSE. 57 min. Betacam.
Il passaggio della linea es un viaje marcado por el ritmo de los espressi, trenes nocturnos de largo recorrido abandonados desde hace tiempo a un destino de lenta degradación en su vaivén por la península, de norte a sur y viceversa.
Una panorámica de paisajes, arquitecturas, rostros, dialectos, voces y vidas que se convierten en un cuerpo único dentro de los trenes.
Fotografías de alta resolución / Festivales y premios:
http://www.filmitalia.org/film.asp?lang=ita&documentID=41781
5 Viernes, 18 h. y 6 Sábado, 22 h.:
In un altro paese, Marco Turco, 2005.
Documental. España. 92 min. Betacam.
A través de documentos y testimonios inéditos, recogidos por el periodista estadounidense Alexander Stille, y las imágenes de la fotoperiodista palermitana Letizia Battaglia, Turco repasa los crímenes perpetrados por la mafia siciliana desde la posguerra hasta nuestros días, y examina las presuntas relaciones entre Cosa Nostra y el sistema político italiano de la llamada Primera República. Centrado en la historia del mayor juicio antimafia jamás celebrado, el documental es el relato de una gran victoria en la lucha contra la mafia y del posterior asesinato de los dos magistrados que la hicieron posible: Giovanni Falcone y Paolo Borsellino.
Fotografías de alta resolución / Festivales y premios:
http://www.filmitalia.org/film.asp?lang=ita&documentID=32710
Ciclo SIEGEL:
3 Miércoles, 22 h. y 4 Jueves, 20,15 h.:
The Beguiled / El seductor, Don Siegel, 1971.
Int.: Clint Eastwood, Geraldine Page, Elizabeth Hartman.
USA. VOSE. 105 min.
La acción se sitúa en una casa del Sur en plena Guerra de Secesión norteamericana. Una niña encuentra a un soldado norteño malherido. El grupo de mujeres que vive en la mansión le dispensa toda clase de cuidados. Empiezan a florecer los instintos sexuales y el soldado pretende manipular a las mujeres mediante la mentira y el engaño (volvemos a las constantes del cine de Siegel). Sin embargo, cuando las mujeres descubren la impostura, y merced a los celos que se han ido acrecentando entre ellas, se producirá un final trágico.
Sobresale la atmósfera gótica de la mansión que sirve de marco idóneo para el suspense que se transforma en terror final. El estudio psicológico de los personajes resalta los mecanismos de la pulsión sexual y la violencia. Es erróneo calificar de machista el film, dado que es el personaje de Eastwood quien instiga a las mujeres, las manipula hasta conseguir que se rebelen contra él. En todo caso, hay que tener en cuenta la condición metafórica del film, su trasfondo irónico y transgresor. Los planteamientos de Siegel no andan muy lejos del despiadado análisis de la decadencia de la masculinidad tradicional que Marco Ferreri abordó en buena parte de su filmografía. Jordi Bernal (Dirigido por nº 339)
5 Viernes, 20 h. y 6 Sábado, 18 h.:
The Killers / Código del hampa, Don Siegel, 1964.
Int.: Lee Marvin, John Cassavetes, Angie Dickinson.
USA. VOSE. 95 min.
Una de las obras maestras indiscutibles de Don Siegel, que, a su vez, está basada en otra joya literaria de Hemingway, Código del hampa (The Killers, 1964) nace como un proyecto televisivo, pero su envergadura sobrepasa los márgenes de la pequeña pantalla. ... Al igual que en el relato de Hemingway, los matones abren la historia, pero tras el asesinato de Johnny North (John Cassavetes) se produce el flash back que dispersa los puntos de vista narrativos. La aportación es enriquecedora y se debe señalar que el fatalismo de Siodmak se acentúa, en esta nueva versión, con ribetes de cinismo profundamente pesimista. Los dos asesinos que encarnan Lee Marvin y Clu Gulager mantienen a lo largo del metraje conversaciones banales y de un acerado realismo (la idea se encuentra en el original de Hemingway, que se desarrolla íntegramente en un restaurante mientras los sicarios matan el tiempo en una charla intrascendental), en un proceso de humanización pocas veces visto hasta entonces. Es evidente que Tarantino se basó en Siegel para construir los personajes de Travolta y Samuel L. Jackson en Pulp Fiction.
La imbricación de las historias en la narración permite al director jugar con distintos espacios y contar el relato de manera fracturada. Posiblemente sea de las pocas veces que Siegel se permite licencias barrocas, aunque sean éstas muy discretas. Código del hampa significa uno de los puntos álgidos en la carrera del director. Después de dos décadas adentrándose en el terreno de la critica social mediante la exploración de la violencia por fin se podía dar por satisfecho. No es su obra más realista. No hay la voluntad de crónica de la época que tenían anteriores films suyos, pero sí que el estudio de los personajes plasma los mecanismos de enfrentamiento con las normas sociales y descubre una red de mentiras y engaños entre los protagonistas.
Jordi Bernal (Dirigido por nº 339)
(En la foto, retrato de Angie Dickinson en 1958; la actriz, venerada por Howard Hawks y Brian de Palma, entre otros, nació en 1931).
